Pianeta Te|rra
Libro-oggeto-progetto per body-mapping performance.

17 opere proiettate su un abito bianco.
Una poesia divisa in 17 parti, una per opera. Questo il libro che ho realizzato per la performance, lungo 9 metri e tridimensionale. Ogni pagina rappresenta la proiezione di un'opera, il verso poetico che accompagna la proiezione e lo spartito musicale de I Pianeti  che  contorna, segue e intervalla tra una proiezione e l'altra.
Durante la performance un’opera di ogni artista viene  proiettata su un abito bianco e durante la proiezione dell’immagine verrà declamato un verso della poesia "Pianeta Te" di George Wallace, così da creare una narrazione unica tra immagine e parola. E fra una proiezione e l’altra, scorrono sequenze di elaborazione grafica in video di tutte le opere ed hanno come “voce” i tasti del pianoforte con note da Pianeta Venere di Gustav Holst. 
Performance: PANETA TE|RRA
Palazzo Libera, 25 agosto 2018, Villalagarina
- Tn -

​Quando hanno detto che eri bellissima,
intendevano fredda come la giada

il pianeta più lontano dal sole
profumata come la macchia 
di una meteora
​che attraversa il Paradiso Nero

sorpresa come la Luna
che veda 
​il suo riflesso

 


quando hanno detto che eri tranquilla
intendevano blu
come il fiore di una pianta succosa
​ove cominciano le tenebre

​determinata
come una canzone per Krishna
su un petalo giallo d'orchidea

trasparente
come il sorriso tra due amanti all'alba
tu ruoti
su un asse fatta d'istinto

molluschi e crostacei
aprono un varco
nella superficie
del tuo grande oceano verde

dopo aver bagnato 
i tuoi capelli intrecciati
e aver preso
​ad asciugarli su Marte

senza pensare
hanno cominciato
a galleggiare
petali di magnolia

attraverso
la mia tavola
​degli elementi

​sono un esploratore
del pianeta   Te

sono un cowboy
sulla tua cintura d'asteroidi

quando hanno detto
​che eri il futuro

intendevano carta bianca
che finisce sulla sabbia
​di Nettuno

intendevano un orologio con numeri romani
intendevano una moneta d'argento
sulla faccia ardente
​di Mercurio

intendevano paglia fresca
per i grufolanti
​pony lunari di Giove

quando hanno detto
che eri,
​bellissima!

“Odo i movimenti delle stelle e dei pianeti,
 la ruggine lieve scricchiola quando mutano posizione.
Il passaggio serico delle radiazioni, il respiro dei cerchi che ruotano”
Anais Nin

Veleggiare tra poesia, musica e immagine è una navigazione a vista dentro e fuori dal nostro pianeta, fuori e dentro l’essenza femminile che esso racchiude. Disegnare con la proiezione sopra il corpo è il tracciato cartografico di questo viaggio performativo che sospinto dai tasti del pianoforte delinea un percorso circolare tra Terra e Cosmo, tra corpo e anima femminile.  Ascoltare i movimenti degli Astri sopra le note musicali diviene dunque un vento canoro che dischiude dalle sue corde quella ruggine lieve che scricchiola durante il mutamento della posizione delle immagini proiettate, le quali, come fiori di loto si aprono sotto la luminescenza delle parole poetiche.
Un abito bianco come schermo, sopra un corpo di donna. Un video che proietta le immagini delle opere d’arte e un pianoforte che accompagna con I Pianeti di Gustav Holst e la voce che canta le parole con la poesia di George Wallace: Pianeta Te (Planet You).
Sinergia tra elementi di differente natura artistica, si intersecano come in una orbita celeste per rappresentare un tema che dovrebbe essere molto caro a tutti noi, ovvero la bellezza del nostro pianeta, del nostro Cosmo, dell’essere femminile e dell’arte in ogni sua espressione. Un inno dedicato a Cerere, dea della Terra, che rappresenta bene quanto questa Madre sia il nutrimento essenziale per qualsiasi forma vivente. Un canto dedicato alla rassegna espositiva Summer Rainbow attraverso le opere esposte in mostra presso Palazzo Libera. Un momento di dialogo importante tra artisti che hanno realizzato questa body-mapping-performance, il quale si mette in vetrina come esempio di collaborazione a più mani, ove l’individualità rimane dimentica.
Ed ecco che “il respiro dei cerchi che ruotano” sono la sequenza delle immagini poetiche, video e musicali, che girano in armonico movimento per illustrare la forza che il segno femminile, suggerito dalle opere esposte, esterna nel massimo del suo splendore.
©Barbara Cappello
​
Pianeta Te | rra
-body.mapping-performance-
Sabato 25 agosto 2018 ore 18:30
Palazzo Libera – Villalagarina – Tn
Progetto di Barbara Cappello e Stefano Benedetti in stretta collaborazione con il musicista Michael Strom.
Cura del progetto con la parola: Barbara cappello. Cura del progetto con elaborazione grafica video di Stefano Benedetti. Cura e esecuzioni delle musiche Michael Strom. (Lavoro a 6 mani).                                                                 Musica: I Pianeti di Gustav Holst                             
Poesia: Pianeta Te (Planet You) di George Wallace
Un ringraziamento particolare al poeta George Wallace per la concessione d’uso delle parole e a Giulia Albertazzi per la traduzione del testo in italiano.
Si ringraziano, inoltre, i seguenti artisti, quali partecipanti alla rassegna Summer Rainbow 2018,  per aver concesso le proprie opere utilizzate per il progetto: Fabrizio Contino Gravantes, Nadia Cultrera, Paola Bradamante, Sarah Mutinelli, Francesca Libardoni, Luciano Olzer, Valentina Niccolini, Daniela Armani, Fabrizia Dalpiaz, Gianni Anderle, Roberto Codroico, Elisabetta Moretto, Enrico Farina, Monica Pizzo e Roberto Piazza.
In performance ci saranno anche una opera di Barbara Cappello e Stefano benedetti.
 



 

​Un ringraziamento particolare al poeta George Wallace per la concessione d’uso delle parole e a Giulia Albertazzi per la traduzione del testo in italiano.
Si ringraziano, inoltre, i seguenti artisti per aver concesso le proprie opere utilizzate per il progetto: Fabrizio Contino Gravantes, Nadia Cultrera, Paola Bradamante, Sarah Mutinelli, Francesca Libardoni, Luciano Olzer, Valentina Niccolini, Daniela Armani, Fabrizia Dalpiaz, Gianni Anderle, Roberto Codroico, Elisabetta Moretto, Enrico Farina, Monica Pizzo e Roberto Piazza, Barbara Cappello e Stefano benedetti.

“Di sicuro ci sarà sempre chi guarderà solo alla tecnica
e si chiederà ‘come’, mentre altri
di natura più curiosa si chiederanno ‘perché’.”
Man Ray
 
La stagione estiva ricca di sole, colore, luce, percorsa da qualche temporale imperioso e acquazzone improvviso, porta con sé uno speciale fenomeno artistico caratterizzato da una rassegna iridata. Un arcobaleno lungo quanto il tempo di nove settimane, che nei suoi colori cangianti ospita quindici artisti.
Una sfilata dal sapore iridescente. Una parata dal profumo vivido di tinte differenti, complementari, distanti, policrome, monocrome. Una manifestazione di immagini catturate, stampate, rivisitate, trasformate. Una sequenza materica estratta dalle mani, dipinta con la passione, disegnata con maestria.
Arcobaleno Estivo. Un lampo che si irradia in stille multicolori. Un ponte arcuato che si apre nel cielo in cui il tempo di Cerere si manifesta nel pieno splendore dorato delle messi. Una stagione nella quale la dea protettrice delle colture cerealicole si rende magnifica e diviene stupenda con gli archi colorati che nel blu pulito dalla pioggia scrosciante compaiono come un lampo squarciando il sole, nel segno di unione tra un punto e l’altro nonché un luogo ed un altro della Terra.
Tracciare una linea arcuata nel panorama dell’arte territoriale significa disegnare con lettere incisive quello che il panorama artistico territoriale offre; vuole dire uscire da quel cubo bianco, quale spazio espositivo del tempo in cui viviamo, per entrare nel mondo aperto degli artisti realmente tangibili, i quali si svelano con opere accuratamente scelte e tracciano una forma di arte nella quale affiora l’identità, la radice, la chioma e la linfa di ciò che vive qui ora e adesso. Questo non significa disegnare una linea che contorna questa arte come un momento transitorio, poiché l’arte di transizione non esiste, ma esiste l’arte in ogni forma in cui la conosciamo e trovare una realtà con-temporanea, ovvero che vive nel nostro tempo, significa fruire e godere di ogni sua espressiva e rappresentativa sfaccettatura.  Come al medesimo tempo vuol dire esporre la propria cultura, renderla nota affinché possa divenire quel linguaggio universale, quel messaggio importante che contraddistingue questo tempo e luogo. Un  modus vivendi collettivo e individuale.
Dunque sotto il manto iridato e scintillante di Iris il messaggio, quale emblema dell’espressione artistica presente sul nostro territorio, si esprime incisivo, forte e caratteriale con un variegato ventaglio di opere che parlano lingue differenti, data la diversità di ogni artista, ma che si intersecano e dialogano in una sequenza ritmata melodica, che come ritornello ha un unico rimando: arte.
Le emulsioni illustrate di Fabrizio Contino Gravantes, come cristalli liquidi di schegge fotografiche appaiono in scene urbane ed extraurbane scrivendo con la dilatazione dell’immagine fotografica il colore dell’impensabile in bizzarri scherzi colorati dall’innocenza; come innocente è la geometria degli omini ominidi ultra-temporanei di Sarah Mutinelli che guizzano in giochi staticamente rocamboleschi nella serietà trattenuta dalle forme geometriche volutamente sbilenche, come se fossero il prodotto ossessivo della giocosità nascosta dentro ognuno di noi.
I colori acidi ed entusiasti di Paola Bradamente esplodono, come un flash flow estivo nel gretto incolto di un fiume arso del deserto del Mojave dove incontrano per dialogo cromatico, allo sfociare del corso impetuoso d’acqua, il placido, sensuale lago lunare dei corpi divini, diafani, eterei, cosparsi dalle gocce sorgive di fonte vergine di Nadia Cultrera
Così le emozioni svelate dalle tele di Francesca Libardoni architettano una dimensione apparente con incisiva marcatura alla vulnerabile e preziosa intimità emotiva femminile; emozioni che a distanza osservano i  segni emergenti dalle fotografie di Valentina Niccolini, quali velature dell’essere umano che compare come una visione dentro lo scatto fotografico realizzato nel tempo in cui quella apparenza rimaneva invisibile, mentre l’occhio sensibile di Luciano Olzer aleggia nei suoi concetti impressi o immortalati dalla macchina fotografica, palesandosi come il canto di una voce bianca che accoglie nelle sue corde vocali quella tangibile femminilità che contraddistingue le sue opere e con cui dialoga in questa estensione.
 
Ed ecco le caleidoscopiche cromature di Daniela Armani, rifrangersi come pensieri colorati dell’iride dentro la pupilla dell’occhio curioso, che per uno scherzo di luce ha sbirciato dentro il sole, mentre le melodie di colori vaporizzati dal pennello sulla tela di Fabrizia Dalpiaz, danzano come funamboli sulle corde della chitarra classica echeggiando volteggi tra le note di Segovia. Come echeggi sono le voci acquee che si stagliano tra le fiamme ardenti della metamorfica ceramica di Gianni Anderle: un tripudio di elementi primari che prende forma concreta con la foggiatura delle mani. Ed il colore azzurro si espande, come un lago cerebrale, psichedelico, dove le forme hanno una struttura pensata, ma stravolta dalle convenzioni per  mano di Roberto Codroico, quale esperto di architettura, in questo caso volutamente sconvolta.
Elisabetta Moretto intavola le sue parole, le incide col pennello nel colore, come uno scriba antico comunica qualche cosa di prezioso alleggerendo quella pietra incisa, rendendola lieve come un  tarassaco da soffiare, cosicché i semi svolazzanti incideranno nuove zolle. Mentre Enrico Farina traccia deciso, con rilievi evidenti e geometrici i concetti ed i pensieri talora comuni e tal altra complessi, rendendoli materici, tanto da indurre ad una riflessione profonda e accurata.
Monica Pizzo, invece, sviscera la terra femminile, quell’intimo stato creativo che si tocca con i polpastrelli, terra intesa come donna, come corpo talvolta con forme non canoniche all’osservatore, ma colme di emozioni e bellezza. Mentre il corpo, la materia lignea di Roberto Piazza ci appare viva, come il tronco di un albero che amiamo, ma che si è, per maestria, trasformato nell’opera scultorea che le sue mani hanno forgiata.
“Di sicuro ci sarà sempre chi guarderà solo alla tecnica e si chiederà ‘come’ ” scriveva Man Ray, perché la curiosità implica sapere come è stata realizzata l’opera, in quanto il raziocinio spesso prevarica il sentimento e l’emozione; “mentre altri di natura più curiosa si chiederanno ‘perché’ ” , Concludeva. Certo chiedersi perché implica molteplici risposte e dà spazio sia alla mente quanto all’emozione di trovare quelle che più soddisfano, ponendo altresì altre domande curiose.
Dunque dialogare con l’arte vuol dire chiedere e chiedersi perché. Ma la vera risposta al perché non esiste sotto forma di manuale tecnico con istruzioni incorporate, bensì semplicemente non risponde che con le opere stesse.
©Barbara Cappello
La rassegna SUMMER RAINBOW FIDA 2018 avrà luogo presso Palazzo Libera a Villalagarina a partire da sabato 14 luglio a domenica 16 settembre 2018. Gli artisti invitati associati a Fida Trento|Bolzano sono quindici: Fabrizio Contino Gravantes, Nadia Cultrera, Paolo Bradamante, Sarah Mutinelli, Francesca Libardoni, Luciano Olzer, Valentina Niccolini, Daniela Armani, Fabrizia Dalpiaz, Gianni Anderle, Roberto Codroico, Elisabetta Moretto, Enrico Farina, Monica Pizzo, Roberto Piazza.
L’evento (come espresso in locandina) prevede quattro momenti inaugurali, in quanto gli artisti sono stati divisi, per l’appunto, in quattro tempi differenti. In ordine, seguendo i nomi come sopra elencati, esporranno i primi quattro artisti con inaugurazione sabato 14 luglio. Nel secondo gruppo tre artisti, con inaugurazione il 27 luglio, successivamente altri quattro artisti che inaugureranno l’11 agosto ed infine ancora quattro artisti che faranno il vernissage il 25 agosto.

​https://www.facebook.com/summerrainbowfida/
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“Spiegarsi è tutto nella vita,
in due si riesce meglio che da soli”.
Louis Ferdinand Céline
 
Il viaggio è un luogo-non luogo, un lasso di tempo visto tra una partenza ed un arrivo,
ma contrariamente può essere anche un luogo-non luogo senza punto di partenza e
aspettativa di arrivo, semplicemente uno stato temporale in cui tutto o nulla può
apparire, o, scomparire.
 In questo viaggio siamo senza valige, senza condizioni che potrebbero forviare il
percorso-non percorso, senza spazzolino e filo interdentale, senza biancheria intima.
Viaggiamo solo con un uno speciale strumentario: i sensi. Nudi, nel pensiero, ci
affacceremo al finestrino della mente per osservare questo mondo che non c’è, ma che forse c’è. Sta a noi percepirlo, indagarlo, scoprirlo, apprezzarlo, gustarlo, criticarlo, velarlo, svelarlo.
 Ciò che appare è il mondo interiore nascosto nella trama della tela pennellata,
dove la percezione diviene tattile, in quanto pregna di stati d’animo, i quali si
manifestano matericamente. Ne possiamo tastare lo spessore, la profondità e la
levatura. Ne possiamo ascoltare il battito, semplicemente accostando lo sguardo al
colore. Ne possiamo assaporare anche la fragilità, ponendoci con gli occhi del cuore.
Ecco che le opere lentamente si svelano, mostrano, sotto l’apparente astrattismo una struttura ben definita nei sentimenti e nelle emozioni umane, un mondo interiore che si vela da quello esteriore, ma che esiste e con delicatezza si mostra timidamente.
 Picasso asseriva che l’arte astratta non esiste, perché bisogna sempre partire da qualche cosa. Eccoci ad una sosta di riflessione durante il viaggio nel mondo che non c’è (ma che forse c’è). Difatti un punto di partenza c’è, la tela, ovvero la struttura della materia e, altra partenza materica è il colore sul pennello. Ma, la partenza astratta del pensiero, dove la poniamo? E se astratta è, come facciamo a definirla con dei contorni, forme, figure? E ancora, davvero è una partenza, oppure è una intuizione che ci porta a svelare qualche cosa?
 Dunque dopo una pausa rinfrancate al bar ed aver bevuto una freschissima acqua di
sorgiva pensante, profumata alla violetta, proseguiamo questo viaggio per scorgere le
svelature della partenza astratta.
 Scompaiono le materie, compaiono le forme. La magia è data dalla fotografia dove non si tocca con mano l’immagine, ma si scruta con gli occhi. Lo stato onirico si manifesta appieno nella forma svelata che da una intuizione astratta si palesa sopra l’immagine stampata. Ecco dunque che i contorni prendono la forma, suggerita dall’attimo in cui lo scatto fu, per fermare quell’istante prezioso in cui ancora nulla si vedeva, ma che ora appare disegnato.
Dunque l’opera astratta (non) esiste, poiché è l’altrove, mondo in cui la materia si definisce col pensiero e il pensiero si ridefinisce nella materia. Questo è un dialogo importante, tra compagne di viaggio quali Francesca Libardoni e Valentina Niccolini, che insieme espongono due lavori artistici nettamente differenti all’apparenza, per via dei materiali e tecniche utilizzate, ma in forte dialogo e scambio tra essi.
 Le velature della pittura astratta di Francesca si svelano dunque senza vergona e
manifestano stati d’animo talvolta inaccessibili, mentre le fotografie di Valentina svelano un qualche cosa che in quel preciso istante dello scatto rimaneva occulto e velato. Pertanto come Céline scriveva, “Spiegarsi è tutto nella vita, e in due ci si riesce meglio”; ecco che l’arte messa in codesto dialogo si esprime al meglio parlando, mostrando ciò che è visibile, ma anche ciò che è nascosto.
 E, se in questo mondo che c’è: “Uomini, bestie, città e cose: è tutto inventato” (L.F.Céline), nel mondo che non c’è: “Per te, io non esisto ancora. Per me, tu non esisti più. Alla fine del tempo, quando la materia prende il cammino del ritorno al punto di origine, tu e io saremo stati solo ricordi, mai realtà. Qualcosa ci sta sognando”. (A.Jodorowsky).
 Bello! viaggiare nel mondo di Francesca e Valentina, un momento di velature svelate
che svelano la velata realtà. Prenotate il vostro viaggio!
 
©Barbara Cappello

​“A narrar il mutare delle forme in corpi nuovi mi spinge l’estro.
O dei, se queste sono metamorfosi, ispirate il mio disegno,
così che il canto delle origini del mondo si snodi ininterrotto sino ai miei giorni.”
Publio Ovidio Nasone – Metamorfosi – Libro Primo
 
 Lo sguardo degli uomini di mare ha un moto perpetuo. Come il mare si muove con la spinta della corrente, delle onde, del vento, e si arresta in bonaccia senza preavviso alcuno, così da restare nella calma apparente del pensiero creativo. È uno sguardo umido, che fiammeggia di magma terrestre, mentre interloquisce con l’altro, mentre racconta qualche cosa di sé.
Gianni Anderle ha questo sguardo. Uno sguardo da uomo di mare. Uno sguardo acquatico, che narra tutta la metamorfosi delle opere che le sue mani realizzano. Che le sue mani raccontano. Che le sue mani disegnano e forgiano.
Una maestria alchemica. Un pensiero che si realizza attraverso l’azione delle mani. Una metamorfosi di una visione, prima concepita nel pensiero, poi emessa attraverso la bravura manuale per arrivare, come corpo concreto, al fruitore che la ammira.
Ceramica. Una arte antica, quasi come l’uomo. Una magia che ogni volta, anche al tempo nostro, un tempo riempito dalla stampa plastica tridimensionale, riesce a destare meraviglia, stupore, gioia. Una opera che passa attraverso la trasformazione degli elementi quali terra, acqua, fuoco, aria, quindi una completezza nel suo insieme. Ma bisogna essere alchimisti per adoperare e trasformare questi elementi, altrimenti il rischio può palesarsi in uno dei molteplici eco-mostri, capaci solo di inorridire gli occhi e il corpo di chi guarda.
Le opere di Gianni Anderle sono il movimento. Sono trasformazione. Sono il frutto di quella metamorfosi ovidiana che nell’incipit possiamo scorgere. Sono la mutazione del corpo visto come terra, che sotto la visione ispirata da un disegno divengono una forma. Una forma volutamente non definita, così da lasciare aperto il sogno di chi guarda, così da non porre limiti al pensiero, così da dare tutta la libertà d’immaginazione a chi osserva. Ed ecco che quel fuoco emerge, che il sangue scorre nelle vene, come nel corpo di un essere vitale. Caldo. Avvolgente. Rassicurante nel sentimento. E l’aria si propaga, come uno zefiro soffia sulle anime che lo percepiscono. E la terra appare. Piena. Totale. Fiera di essere quella nostra Madre che ci accoglie. E L’acqua si può toccare. Con un semplice sguardo che sgorga nella sua ceramica, come una sorgiva cristallina in movimento costante.
Certo, Gianni non è nato al mare. Ma come un lupo di mare sa. E con il suo veliero creativo solca quelle acque saline che circondano quelle isole fantastiche, dove i tesori della creatività e maestria sono ben custoditi. E la sua opera ceramica si manifesta in un tripudio di armonica bellezza.
©Barbara Cappello
 

Raccontare in poche righe la natura di vita di Roberto Bertoldi è un impegno a cui non posso sottrarmi. Sarebbe come mancare di rispetto ad un qualsiasi essere vivente, il quale ha subito le ire di un destino differente, innescando una serie di metamorfosi inaspettate.
Proviamo ad immaginare per un momento che Roberto sia stato dunque vittima di una specie di sortilegio provocato da una “divinità”. Come il giovane Tiresia, avvicinatosi per caso alla fonte Ippocrene, mentre Atena vi si bagnava aveva visto le sue nudità ed era stato accecato dalla dea, ma Zeus per risarcirlo gli accordò il dono della profezia.
Ecco quindi che senza l’uso degli occhi, Roberto diventa un chiaroveggente, nel senso esatto del lemma, ovvero, vede chiaro. A tal punto che usa la fotografia come occhio della sua mente. Immagina gli scatti che realizza, li trasmette attraverso il suo linguaggio all’obbiettivo della macchina fotografica, tastando prima la temperatura dell’aria, il clima, ascoltando suoni, rumori, voci, toccando il soggetto che sa di voler immortalare. Certo, è coadiuvato dal supporto di altre persone che con dedizione lo accompagnano in questo percorso artistico, ma la fotografia, lui, la vede dietro le sue palpebre buie, la sente sulla pelle del suo corpo, la fa palpitare nel suo cuore.
Pertanto il sortilegio che ha investito Roberto nel corso della vita, un sortilegio da egli stesso cercato, ma non colpevole di esserselo inflitto, perché la neuropatologia dell’autolesionismo è uno stato che non si va cercando, ce lo si ritrova, come Tiresia che per caso sorprese Atena senza veli alla fonte sorgiva, è una realtà che ora lo accompagna insieme ad una forma di autismo, ma che attraverso l’amore per la fotografia gli dà la veggenza, la capacità di vedere attraverso gli scatti fotografici.
Curiosa la vita. Curiosa a tal punto che mi fa abbattere la barriera della diversità altrui. Talmente curiosa che mi trova a denudare la forma fisica delle persone per arrivare alla loro essenza. Quella essenza che si chiama natura di essere, natura dell’amore. Si, perché anche se suona un poco strano, Roberto ha un naturale amore per una espressione artistica, come ce la può avere qualsiasi altro essere umano classificato normodotato. Ecco che qui le differenze scompaiono. Si dissolvono. Divengono diafane, insignificanti, come nell'amore, come nell'amare. E se Roberto, con questo suo amore per una disciplina artistica come la fotografia, esterna proprio l’amore, non ci resta che avvicinarsi alla sua natura e gioire per questa sua veggenza che ci racconta la natura dell’amore.
 
Roberto Bertoldi (in collaborazione con Simone Giuliani), nasce a Trento il 24 maggio 1986. Frequenta Anffas dal 2001. Da circa 2 anni è il protagonista del progetto FREELANCE, ideato da Elisa Marafon con la supervisione pedagogica della Drssa Annachiara Marangoni, che gli ha offerto l'occasione di coltivare la sua passione per la fotografia e la macchina fotografica.
Nel 2016 Roberto ha partecipato - nella sezione dedicata alle persone con disabilità - al 3° concorso Giulio Perticone "...scrivere con la luce", organizzato dal Rotary Club Abruzzo e Molise; a Roberto è stato assegnato il primo posto.
​©Barbara Cappello

SINE BELLUM è il titolo dell’opera intera, ma ogni lavoro è stato propriamente titolato con: MADE IN ITALY, per l’Italia, FATTO IN GRAN BRETAGNA, per la Gran Bretagna, HERGESTELLT IN FRANKREICH, per la Francia e FAIT EN ALLEMAGNE, per la Germania
Volutamente, in senso provocatorio, ho titolato i Paesi utilizzando la lingua diversa dalla nazionale, per mettere in risalto la possibilità futura di maggior comprensione, scambio e assenza di barriere, integrazione sempre maggiore, unità tra le persone, movimento verso l’evoluzione culturale. Come volutamente ho rappresentato i Paesi con particolari pose dei corpi maschili. Per l’Italia ho scelto la bellezza, come emblema assoluto per l’arte e cultura del nostro Paese. Per la Gran Bretagna ho pensato a Lord Byron, quale nuotatore provetto e politico “mancato”, nonostante appartenete alla classe dei Lord, ma sicuramente grande intellettuale e poeta. Forse la GB si rispecchia in questa immagine, pensando anche alla Brexit, azione di debolezza e forza al contempo. Per la Francia, ho scelto una posa di difesa, di protezione, visti tutti gli attentati ultimi subiti dal Paese. E contemporaneamente faccio mostrare la potenza addominale della stessa. Per la Germania, il petto espresso, vigoroso, si mostra fiero e potente, ma i genitali stanno nascosti. Il tempo del III Reich è terminato, anche se il potere economico imperversa… ce la farà a mantenerlo? Osserviamo.
Corpi di uomini nudi, semplicemente per svelare che le guerre sono propriamente fatte di questa carne, che prima di venire smembrata dai colpi esplosivi di natura varia, hanno una identità carnale, una presenza reale. Non si tratta soltanto di numeri o nomi. No, l’uomo che è chiamato a combattere esiste, e, prima di degradare nello stato della guerra è giovane, forte e bello. Ma, al contempo fragile e ancora “bianco”, come il colore imperante delle opere, perché assente di tagli e colori di morte.
Corpi umani, che se li osserviamo anche da un punto di vista scientifico percorrendo le loro linee esterne o interne ci riportano alle linee di confine geografiche che disegnano i Paesi rappresentati.
Se ritorno alla Grande Guerra, quest’opera ne rappresenta i Paesi europei più grandi che ne furono coinvolti e i corpi, la carne che ne presero parte e vennero immolati e sacrificati in nome della stessa.
Se proiettassi SINE BELLUM a questo secolo successivo, a tale data, vorrei trasmette, che la potenza e maestosità di ogni paese può ESSERE, nel senso vero del verbo; come l’Essere potrà manifestarsi “nudo” per come la sua natura vuole e desidera e meglio si esprime.
Politico composto da quattro elementi, componibili e scomponibili a piacere. Trattasi di fotografie digitali (scatti personali), stampate su carta fotografica, incollate su carta di cotone trattata a resina e pigmento bianco, cucita a sua volta su tela finemente preparata. L’intervento postumo è stato realizzato con cucitore a macchina e smalto acrilico.
©Barbara Cappello